En las actuales tendencias del arte contemporáneo, tanto el artista como el crítico generan lecturas y conocimientos sobre el producto artístico determinado por su valor formal y expresivo. Para entender dicho producto no es suficiente solamente conocer la técnica, sino que además, se necesita conocer el lenguaje de la obra de arte en su proceso.
Una obra de arte posee no solamente un contenido, sino también, una forma expresiva determinada. El artista, a través de su obra, va creando un mundo a través de la imaginación y sus órdenes. Toda producción artística muestra su lenguaje a través del modo de realización de la misma.
Leer el arte en este caso significa de analizarlo. El espectador puede reconocer una obra como arte o antiarte. Así pues, las diferentes tecnologías artísticas tienden a desarrollar etapas de pensamiento a través de las cuales se hacen planteamientos estéticos y críticos en base a una concepción sostenida por el artista o por la crítica.
Con el nacimiento de las vanguardias artísticas(dadaismo, cubismo, futurismo, rayonismo, abstracción lírica, suprematismo, vorticismo, surrealismo, arte cinético, arte óptico, y otros), asistimos a un nuevo conocimiento y a una nueva concepción de la ruptura entendida en su sentido artístico.
El criterio contemporáneo de definición de la expresión, admite variados registros que no son solamente estéticos, sino, integradores. En la productividad misma del arte contemporáneo, encontramos variados órdenes de la belleza: material, psicológica, espiritual, formal y racional.
En el arte contemporáneo los diversos ismos (action painting, cobra, espacialismo, funk art, pop art, fluxus art, arte povera, graffiti art, bad painting y otros), tienden a configurar ideales de belleza y ruptura. La forma artística, así como los diferentes contenidos artísticos, perfilan en la obra un significado leído y aceptado por el sujeto libre que consume la obra de arte.
Los valores humanos y estéticos están presentes en el hecho mismo de la valoración, de tal manera que a diferencia de gusto y criterio genera también la diferencia apreciativa de la belleza, siendo así que lo bello siempre será artístico para los sentidos del sujeto individual.
Lo artístico se afirma como una condición, una manifestación y una aceptación del gusto y la sensibilidad. En el arte contemporáneo el lenguaje adquiere múltiples significados ideológicos y representacionales. Esto afirma aún más la diferencia o diferencias en el acto productivo y perceptivo de la obra contemporánea. No se puede admitir lo bello y la belleza en el arte contemporáneo como cualidades únicas de apreciación, sino que, tanto el concepto como la cualidad admiten formas abiertas o libres en la representación estética o artística.
Algunos aportes concretos de autores y artistas, marcan en proceso la diferencia de lo bello y la belleza en el arte contemporáneo:
Arquitectura Pintura Escultura Teatro
Le Corbusier Duchamp Brancusi Peter Brook
Aalto Picasso Moore E. Barba
Gropius Braque Calder J. Grotowski
Sant Elia Mondrian
El neoplaticismo es una tendencia del arte tres primeras décadas del siglo xx que se afirma en la forma pura, forma que es esencial y espiritualizada, y que el artista practica como una búsqueda fundamental de su mundo sensible.
En el neoplasticismo la pintura es esencialidad y no se reduce a los elementos básicos que la componen. El pintor crea una composición geométrica abstracta, produciendo una síntesis visual desde su mirada estética. En la obra de Mondrian, el espíritu de la forma se revela en la estructura composicional abstracta, donde el signo se convierte en símbolo a la vez que en significación espacial.
Se trata de reconocer y recompensar un pensamiento puro y esencial desde el arte y desde el lenguaje de la pintura. Línea, punto y espacio, así como color, equilibrio y forma comunican un estado psicológico desde la abstracción pictórica. Para el neoplasticismo y Modrian la abstracción es una búsqueda sensible que rompe con los modelos establecidos por la forma clásica y realista. Se trata pues de la puesta en práctica de una geometría intuitiva formalizada en una estética individual sobre el lienzo y el papel, así como sobre algún otro soporte material. Debe observarse en el procedimiento plástico una articulación de los signos y símbolos en base a un principio de creación estética y espiritual.
La geometría artística e intuitiva
En el arte contemporáneo el uso de geometrías artísticas e intuitivas, produce un efecto visual y perceptivo desde un orden y un funcionamiento artístico específico. Como en el origen de las vanguardias, la forma geométrica se desplegó en pintura, arquitectura, dibujo y escultura para expresar un tipo revelador de creación. Surge el diseñador, el dibujante abstracto y el fotógrafo, para crear lo que Moholy Naggy llamó La Nueva Visión en el arte contemporáneo. Se reconocen nuevos universos donde el plano, el punto y la línea se piensan como estructuras y funciones bioespaciales y formas orgánicas estetizadas, tal y como se puede destacar en la obra de Kandinsky.
Es con el suprematismo, el constructivismo, el cubismo y la abstracción lírica y geométrica, cuando el arte de vanguardia cobrará su verdadero valor. Picasso, Mondrian, Popova, Vassarelly, Kandinsky, entre otros, utilizaron la geometría artística e intuitiva para comunicar desde la pintura, la escultura, el diseño o la arquitectura una modalidad estética visionaria del arte contemporáneo.